Ivan Navarro

Au début de la pandémie en 2020, j’ai collecté de nombreuses images de différentes nébuleuses prises par de puissants télescopes en différents points du monde. Ces images sont des vues de l’espace où naissent les étoiles. Les photos originales montrent de belles couleurs qui sont un mélange de gaz et de poussières de l’univers. J’ai été inspiré par Nostalgia de la Luz [2010] de Patricio Guzman, un beau film dans lequel il fait un parallèle entre les astronomes de l’un des plus grands observatoires du ciel dans le désert d’Atacama, l’observatoire du Cerro Paranal – abordant par-là des questions existentielles comme la place des hommes dans l’univers – et la recherche qui n’en finit pas des corps des victimes du régime de Pinochet, à proximité d’anciens camps de prisonniers construits dans ce désert.

Si mon travail fait écho aux questions politiques autour de cette dictature – le cœur de mon travail depuis plusieurs décennies –, ce nouveau volet est pour moi une tentative pour aborder des questions plus métaphysiques mais aussi sonder le mystère de l’immensité incommensurable de l’univers que beaucoup aimeraient percer. Lueur d’orientation des images au cœur du désert ou réutilisées comme emblème de fierté des drapeaux nationaux, les étoiles guident et accompagnent les hommes dans ses questionnements depuis la nuit des temps.

Ce n’est ni le Minimalisme, ni le travail de Dan Flavin qui m’ont interessé, mais plutôt le moment où il était sur un mode “débrouille”. Au début, il s’est appuyé sur ce système de consommation très américain qui permet à chacun de retourner sous 30 jours un objet acheté tout en se faisant rembourser. Dan Flavin se rendait ainsi dans des quincailleries, achetait ses tubes de néon, créait ses œuvres dans son studio et les rapportaient 30 jours plus tard en récupérant son argent. À l’époque, il ne vendait rien, et c’est ainsi qu’il a commencé. Je suis sûr qu’il était guidé par l’opportunité des matériaux disponibles plus que par un intérêt pour la lumière qu’il a développé dans un second temps, lorsqu’elle est dévenue son médium.

L’idée derrière l’utilisation de la lumière a beaucoup à voir avec mon expérience au Chili. Sous la dictature de Pinochet, le contrôle de l’accès à la lumière était un outil de surveillance. Le gouvernement créait de faux black-out, afin de maintenir les gens chez eux le soir. L’électricité était également un instrument de torture pour interroger les prisonniers politiques. C’est ainsi que ma fascination pour la lumière a commencé. Il n’y a donc pas de dimension mystique, mais plutôt une connotation politique.

Au seuil de mes trente ans, j’ai réalisé à quel point j’étais influencé par les choses que j’avais vécues pendant mon enfance. Tant d’aspects du quotidien entraient en écho avec notre mode de vie sous un régime dictatorial : comment s’habiller ? Quelle musique écouter ? Avec quels amis passer du temps ? Dans quel quartier aller ? De quelle manière parler de sa famille à un nouvel ami et vice versa ? Etc… Maintenant, je vois et comprends ces expériences comme des outils pour être plus conscient de la société dans laquelle je vis aujourd’hui, entièrement contrôlée par le capitalisme. Mais mon travail est aussi, en effet, une référence à l’évolution industrielle des dernières décennies et met en exergue le couple moderne homme-machine. Il confronte l’objet – un miroir industriel – à la nature arbitraire de la main de l’homme, la singularité du toucher, la fragilité de l’être humain.

J’utilise la peinture ici pour la première fois, mais elle a la particularité d’être tridimensionnelle et non plane comme le veut la tradition classique, elle crée l’illusion d’un espace sans fin à l’intérieur des caissons lumineux, généré par le reflet de deux miroirs dans les boîtes. Mon travail est connu pour son apparence minimaliste et l’utilisation de matériaux industriels mais maintenant, j’ai décidé ici de me concentrer pleinement sur le processus artisanal.

Oui, mon travail explore également la relation entre la musique et le pouvoir. J’utilise les percussions pour sonder les ambiguïtés du langage et le pouvoir social de la musique. Certaines de mes pièces précédentes sont une grosse caisse à double face où se démultiplient grâce à la lumière et aux miroirs des onomatopées : Blow, Bomb, Slap, Slam, Bang, Beat. Ils évoquent aussi bien la fête que la guérilla, la rigueur des fanfares militaires, l’agression, l’insurrection ainsi que la résistance.

Oui, je vais prendre comme exemple mon grand projet This Land Is Your Land (2014) : avec cette œuvre, j’ai voulu créer un nouvel environnement que le visiteur puisse expérimenter. Auparavant, mes œuvres étaient soit accrochées au mur, soit posées au sol. Seule Skylight était suspendue au plafond d’une pièce. Ce travail m’a donné l’idée de faire quelque chose de plus grand et de plus complexe, avec différents niveaux d’interaction physique et conceptuelle avec les gens. De manière très simple, comme il s’agit d’une installation en extérieur, j’ai voulu jouer sur la position du corps lorsque l’on regarde le ciel, la lune ou les étoiles. Je voulais que les spectateurs soient attirés dans l’axe vertical qui relie la terre au ciel et ressentent une sorte d’énergie cosmique émanant des néons.

Au moment où une œuvre d’art est exposée, je vois son impact politique sur les visiteurs. Je dois constamment composer avec les contraintes institutionnelles, les codes culturels, les conventions sociales qui conditionnent la façon dont les gens appréhendent le rôle de l’art dans la société. Je parle de censure, un problème auquel j’ai été confronté à plusieurs reprises. Je dois avoir à l’esprit tous ces éléments et les différentes sensibilités pour la réception de mon travail (mal comprise, une œuvre peut être offensante). C’est en ce sens que je me considère comme un artiste engagé, par la prise en compte du contexte social et politique dans lequel un œuvre va s’inscrire, et non parce que mon travail aborde des événements politiques et historiques.
Je crois en un art qui est une véritable réponse aux actions humaines. Par exemple l’importance pour moi d’être inventif et compter sur la débrouille qui est une source d’inspiration profonde. L’art est un moyen de subvertir la réalité, en cela il peut nous conduire à l’évasion, à la confrontation ou aux deux à la fois.