Les Nymphéas, connu aujourd’hui comme l’un des chefs-d’œuvre du peintre Claude Monet (1840-1926), offre l’histoire exemplaire d’une œuvre incomprise par ses contemporains. En 1927, quelques mois après la mort du peintre, les salles ovales du Musée de l’Orangerie où sont placées ses longues peintures de nymphéas sont ouvertes, après des années de retard et de difficultés, Monet n’étant jamais satisfait de ses œuvres, sur lesquelles il a travaillé pendant trois décennies. A l’époque, l’ensemble, que le peintre avait offert à l’Etat, reçoit ce qu’il faut d’éloges officiels. Et ce qu’il ne faudrait pas de critiques : une « erreur » selon Jacques-Emile Blanche, « le plus vilain cadeau » fait à la France selon Paul Morand, qui, à travers Les Nymphéas, vise Georges Clemenceau, leur défenseur acharné. André Lhote, chargé de la critique d’art à La Nouvelle Revue française (NRF), feint de se lamenter sur ce « suicide plastique (…) dans le linceul des nénuphars ». Le public ne manifeste aucun enthousiasme non plus : l’Orangerie reste vide. En 1944, un obus touche le bâtiment et crève l’un des panneaux. Les musées ne s’en soucient que modérément et la restauration prend huit ans, jusqu’à l’automne 1952, malgré les protestations répétées des héritiers du peintre.
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![Formes fluides, absence de perspective et support saturé de couleurs : la série des « Nymphéas » remet en cause notamment le tableau de chevalet avec ses compositions décentrées et la répétition d’un même motif.]()
Claude Monet (1840-1926) : « Les Nymphéas bleus », 1916-1919 ‒ huile sur toile, 204 x 200 cm ‒ Paris, Musée d’Orsay
Formes fluides, absence de perspective et support saturé de couleurs : la série des « Nymphéas » remet en cause notamment le tableau de chevalet avec ses compositions décentrées et la répétition d’un même motif. MUSÉE D’ORSAY, DIST. RMN-GRAND PALAIS/PATRICE SCHMIDT
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![La technique du « all-over » pratiquée par le peintre américain Jackson Pollock pourrait s’appliquer aux panneaux tardifs des « Nymphéas ». Toute référence au réel est abandonnée au profit de touches jetées à même la toile, fusionnant en des motifs non figuratifs.]()
Jackson Pollock (1912-1956) : Untitled, vers 1949 ‒ tissus, papier, carton, émail et peinture aluminium sur panneau, 78,7 x 57,5 cm ‒ Riehen/Basel, Fondation Beyeler, Suisse
La technique du « all-over » pratiquée par le peintre américain Jackson Pollock pourrait s’appliquer aux panneaux tardifs des « Nymphéas ». Toute référence au réel est abandonnée au profit de touches jetées à même la toile, fusionnant en des motifs non figuratifs. FONDATION BEYELER/ROBERT BAYER/ADAGP, PARIS, 2018
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![« Nous sommes pour les formes plates parce qu’elles détruisent l’illusion et révèlent la vérité », déclarait, en 1942, Marc Rothko. Sa peinture ‒ par le champ de couleurs et par l’absence de relief ‒ crée une « nouvelle approche optique » évoquant « Les Nymphéas » présentés à l’Orangerie.]()
Mark Rothko (1903-1970) : « Blue and Gray », 1962 ‒ huile sur toile, 193 x 175 cm ‒ Riehen/Basel, Fondation Beyeler, Suisse
« Nous sommes pour les formes plates parce qu’elles détruisent l’illusion et révèlent la vérité », déclarait, en 1942, Marc Rothko. Sa peinture ‒ par le champ de couleurs et par l’absence de relief ‒ crée une « nouvelle approche optique » évoquant « Les Nymphéas » présentés à l’Orangerie. KATE ROTHKO PRIZEL & CHRISTOPHER ROTHKO
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![De grands formats et de larges aplats irréguliers, presque aléatoires, dominés par une même couleur : la peinture de Clyfford Still s’inspire des « Nymphéas », de Claude Monet, qu’il découvre en 1925 au Metropolitan Museum of Art lors d’un séjour à New York.]()
Clyfford Still (1904-1980) : 1965 (PH-578), 1965 ‒ huile sur toile, 254 x 176,5 cm ‒ Madrid, Museo Nacional Thyssen-Bormenisza
De grands formats et de larges aplats irréguliers, presque aléatoires, dominés par une même couleur : la peinture de Clyfford Still s’inspire des « Nymphéas », de Claude Monet, qu’il découvre en 1925 au Metropolitan Museum of Art lors d’un séjour à New York. MUSEO NACIONAL THYSSEN-BORNEMISZA/SCALA, FLORENCE/ADAGP, PARIS, 2018
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![La couleur comme tache : ici, Morris Louis applique la technique de la « stained color » ‒ une peinture diluée et répandue sur la toile en couches successives. Sa palette s’apparente à celle de Claude Monet, notamment dans la représentation suggestive ‒ et presque voilée ‒ de ses nénuphars.]()
Morris Louis (1912-1962) : « Vernal », 1960 ‒ acrylique sur toile, 195,6 × 264,2 cm ‒ Madrid, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia
La couleur comme tache : ici, Morris Louis applique la technique de la « stained color » ‒ une peinture diluée et répandue sur la toile en couches successives. Sa palette s’apparente à celle de Claude Monet, notamment dans la représentation suggestive ‒ et presque voilée ‒ de ses nénuphars. ARCHIVO FOTOGRÁFICO MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA/ADAGP, PARIS, 2018
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![Peinture directement versée sur la toile étendue au sol, couleur fluide ‒ presque translucide ‒ et saturation du support : Helen Frankenthaler a découvert en 1954 « Les Nymphéas ». Ses motifs amples et aquatiques peuvent se rapprocher de la technique utilisée par Claude Monet.]()
Helen Frankenthaler (1928-2011) : « Riverhead », 1963 ‒ acrylique sur toile, 208,9 x 363,2 cm ‒ New York, Helen Frankenthaler Foundation
Peinture directement versée sur la toile étendue au sol, couleur fluide ‒ presque translucide ‒ et saturation du support : Helen Frankenthaler a découvert en 1954 « Les Nymphéas ». Ses motifs amples et aquatiques peuvent se rapprocher de la technique utilisée par Claude Monet. HELEN FRANKENTHALER FOUNDATION, INC./ADAGP, PARIS, 2018
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![C’est au cours d’un voyage en Europe en 1948 que Philip Guston découvre la peinture française du XIXe siècle. Réaliste à ses débuts, sa peinture évoluera vers une forme de « lyrisme » déjà utilisée par Claude Monet dans sa dernière série.]()
Philip Guston (1913-1980) : « Dial », 1956 ‒ huile sur toile, 182,9 x 194 cm ‒ New York, Whitney Museum of American Art
C’est au cours d’un voyage en Europe en 1948 que Philip Guston découvre la peinture française du XIXe siècle. Réaliste à ses débuts, sa peinture évoluera vers une forme de « lyrisme » déjà utilisée par Claude Monet dans sa dernière série. SUCCESSION DE PHILIP GUSTON, AVEC LA PERMISSION DE HAUSER & WIRTH
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![Cette artiste américaine, installée en France à la fin des années 1950, considère la peinture comme une expérience visuelle où « la finalité n’est plus le sujet ». Elle compose des toiles gestuelles et colorées et s’inspire directement de la Nature. Elle en retient des sensations qu’elle restitue sur la toile ‒ reliant ainsi son œuvre à l’impressionnisme.]()
Joan Mitchell (1925-1992) : Sans titre, 1964 ‒ huile sur toile, 159 x 125 cm ‒ Paris, Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, Centre de création industrielle
Cette artiste américaine, installée en France à la fin des années 1950, considère la peinture comme une expérience visuelle où « la finalité n’est plus le sujet ». Elle compose des toiles gestuelles et colorées et s’inspire directement de la Nature. Elle en retient des sensations qu’elle restitue sur la toile ‒ reliant ainsi son œuvre à l’impressionnisme. CENTRE POMPIDOU, MNAM-CCI, DIST. RMN-GRAND PALAIS/JACQUES FAUJOUR
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![Précurseur de l’abstraction américaine, Mark Tobey élabore des compositions « polyphoniques » et sature la toile d’un même motif, récurrent et répétitif ‒ affinités qu’il semble partager avec Claude Monet et Camille Pissarro.]()
Mark Tobey (1890-1976) : « White Journey », 1956 ‒ peinture à la colle sur papier sur Pavatex, 113,5 x 89,5 cm ‒ Riehen/Basel, Fondation Beyeler
Précurseur de l’abstraction américaine, Mark Tobey élabore des compositions « polyphoniques » et sature la toile d’un même motif, récurrent et répétitif ‒ affinités qu’il semble partager avec Claude Monet et Camille Pissarro. FONDATION BEYELER/ROBERT BAYER/ADAGP, PARIS, 2018
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![Ellsworth Kelly découvre « Les Nymphéas » lors d’une rétrospective consacrée à Claude Monet en 1952 à Zurich. Il se rendra ensuite à Giverny pour voir, dans l’atelier même du peintre, ces grands panneaux in situ : Kelly réalisera alors un tableau monochrome, « Tableau vert », hommage à Claude Monet et directement inspiré des « Nymphéas » : une composition unie avec de larges étendues de verts « comme de l’herbe qui bouge sous l’eau ».]()
Ellsworth Kelly (1923-2015) : « Tableau vert », 1952 ‒ huile sur bois, 74,3 x 99,7 cm ‒ Chicago, The Art Institute of Chicago, don de l’artiste
Ellsworth Kelly découvre « Les Nymphéas » lors d’une rétrospective consacrée à Claude Monet en 1952 à Zurich. Il se rendra ensuite à Giverny pour voir, dans l’atelier même du peintre, ces grands panneaux in situ : Kelly réalisera alors un tableau monochrome, « Tableau vert », hommage à Claude Monet et directement inspiré des « Nymphéas » : une composition unie avec de larges étendues de verts « comme de l’herbe qui bouge sous l’eau ». ART INSTITUTE OF CHICAGO/ELLSWORTH KELLY FOUNDATION
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Deux ans et demi plus tard, en mai 1955, Michel Monet, fils de Claude, reçoit à Giverny deux conservateurs du Museum of Modern Art (MoMA) de New York. Ils sont mandatés par Alfred Barr, son directeur, pour conclure un achat : celui de l’un des grands panneaux de la série des Nymphéas qui n’a pas été intégré au cycle de l’Orangerie et est demeuré dans l’atelier, lequel n’a été miraculeusement ni pillé ni détruit pendant la guerre. Ils choisissent une toile de très grand format – 2 mètres de haut, 5,65 mètres de long, l’œuvre la plus vaste que le MoMA possède à cette date. Pourquoi cette acquisition ? Parce que Barr a compris, grâce aux artistes qu’il rencontre et achète à New York, que le dernier Monet, cette peinture fluide et presque dépourvue de signes figuratifs, est une référence majeure. En 1951, déjà, le MoMA avait acquis Peupliers à Giverny, ce qui avait valu au musée une lettre d’un peintre alors peu connu, Barnett Newman, qui protestait contre la faible présence de Monet au musée. Après une première réponse qu’il juge niaise, Newman recommence : « [Monet] a passé l’épreuve du temps et ma lettre vous accusait de l’avoir volontairement ignoré pendant près de vingt-cinq ans. »
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